viernes, 30 de noviembre de 2012

José Manuel Caballero Bonald, poeta, narrador y ensayista Premio Principe de Asturias, el galardón más importante de las letras españolas

El premio es un reconocimiento a un novelista, poeta, fabulador y creador de historias; y maestro en el uso del idioma. 

"Escribir es para mí una permanente indagación en el lenguaje. Las palabras de un poema deben significar más de lo que significan en los diccionarios". 

"La poesía es un buen antídoto contra el miedo".

 "La novela es, en general, otra cosa. Su más alto rango radica para mí en su lenguaje, en la calidad de su estilo. Lo demás me importa poco. El estilo es la vida"


Entra la noche como un trueno
por los rompientes de la vida,
recorre salas de hospitales,
habitaciones de prostíbulos,
templos, alcobas, celdas, chozas,
y en los rincones de la boca
entra también la noche.

Entra la noche como un bulto
de mar vacío y de caverna,
se va esparciendo por los bordes
del alcohol y del insomnio,
lame las manos del enfermo
y el corazón de los cautivos, 
y en la blancura de las páginas 
entra también la noche.

Entra la noche como un vértigo
por la ciudad desprevenida,
rasga las sábanas más tristes,
repta detrás de los cobardes,
ciega la cal y los cuchillos
y en el fragor de las palabras
entra también la noche.

Entra la noche como un grito
por el silencio de los muros,
propaga espantos y vigilias,
late en lo hondo de las piedras,
abre los últimos boquetes
entre los cuerpos que se aman,
y en el papel emborronado
entra también la noche.

La 61 edición del Festival de San Sebastián dedicará una retrospectiva a Nagisa Oshima


El cineasta japonés Nagisa Oshima será objeto de una retrospectiva en la 61 edición del Festival de San Sebastián, que tendrá lugar entre los días 20 y 28 de septiembre de 2013.

Nagisa Oshima (Okayama, 1932) es uno de los más notables cineastas del cine japonés, además de una de sus figuras más audaces, controvertidas y polémicas. Director emblemático en los años 60 de la llamada nuberu bagu ("nueva ola"), se convirtió en las décadas siguientes en uno de los nombres de mayor proyección internacional que ha tenido el cine nipón. Oshima debutó en el cine en 1959 con Aito Kibo no Machi / Street of Love and Hope, un temprano acercamiento al tema de la problemática juvenil y su primer trabajo para el estudio Shochiku, uno de los más importantes de Japón. Seguirán después otros trabajos con Shochiku que ya definen su estilo crítico y su mirada airada contra la sociedad japonesa: Seishun Zankoku Monogatari / Cruel Story of Youth (1960) y Taiyô no Hakaba / The Sun's Burial (1960).  Pero su siguiente trabajo, Nihon no Yoru to Kiri / Night and Fog in Japan (1960), es ya una película abiertamente política tras la cual Oshima abandona el estudio para hacerse productor independiente.
Esa segunda etapa en la filmografía de Oshima es un período de gran creatividad en el que rueda una serie de películas donde plasma sus obsesiones y reflexiones sobre el sexo, la política, la violencia y la muerte, siempre como herramientas con las que analizar las lacras de su tiempo. Sus soluciones formales, muy inspiradas en las "nuevas olas" europeas y las técnicas teatrales de vanguardia, lo convierten en uno de los cineastas más representativos de la modernidad japonesa, gracias a títulos como Shiiku / The Catch (1961), Etsuraku (Los placeres de la carne, 1964), Muri Shinju: Nihon no natsu / Japanese Summer: Double Suicide (1967), Kôshikei / Death by Hanging (1968), Shinjuku dorobo nikki / Diary of a Shinjuku Thief (1968), Shonen (El muchacho, 1969) o Gishiki / The Ceremony (1971), entre otros.
En 1976 tiene lugar la consagración internacional de Oshima gracias a Ai no koriida (El imperio de los sentidos). Aunque el film escandalizó a todo el mundo por su tratamiento explícito de la sexualidad y fue censurado en Japón, fue presentado en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes y se convirtió en el título más famoso de toda su carrera. Esto le permitió filmar en coproducción con Francia otra sincera obra acerca de la fuerza del deseo, Ai no borei (El imperio de la pasión, 1978), que le valió el Premio al Mejor Director en el Festival de Cannes. Posteriormente rodó dos coproducciones europeas que tuvieron amplia repercusión internacional:  tanto el drama bélico Merry Christmas, Mr. Lawrence (Feliz Navidad, Mr. Lawrence, 1982) como la perturbadora Max mon amour (Max, mi amor, 1986) son nuevos acercamientos al deseo sexual como elemento desestabilizador del entramado social. Su último trabajo para el cine es Gohatto (Gohatto: Tabú, 2000), otra película insólita a la hora de tratar sin tapujos el tema la homosexualidad en el mundo de los samuráis.
La retrospectiva programada en el Festival de San Sebastián recoge todos sus largometrajes rodados para la gran pantalla, una iniciativa que permitirá conocer la evolución de su carrera y dará a conocer numerosos títulos que nunca fueron estrenados en España. El ciclo, co-organizado con Filmoteca Española con la colaboración de The Japan Foundation, se completará con un libro coordinado por Quim Casas.

El ciclo lo forman las siguientes películas:


Aito Kibo no Machi / Street of Love and Hope (también conocida como A Town of Love and Hope) 1959
En su ópera prima Oshima ya muestra su interés por los seres que ha dejado atrás el "milagro económico" japonés a través del relato de Masao, un adolescente que tiene que mantener a su madre enferma y a su hermana disminuida psíquica.

Seishun Zankoku Monogatari / Cruel Story of Youth (también conocida como Naked Youth) 1960
Un potente retrato generacional de los jóvenes "airados" japoneses de los 60 construido alrededor de la tormentosa relación entre Kiyoshi, un joven sin escrúpulos, y Makoto, una atractiva chica que lo ayuda a chantajear a los hombres maduros que pretenden tener relaciones sexuales con ella.

Taiyô no Hakaba / The Sun's Burial 1960
Crónica de la vida marginal de los bajos fondos de Osaka, un claustrofóbico fresco social protagonizado por una prostituta que regenta un sórdido negocio: el tráfico de sangre de personas que se ven obligadas a venderla para sobrevivir.

Nihon no Yoru to Kiri / Night and Fog in Japan 1960
La primera película claramente política de Oshima describe las tensiones que se producen en el seno del Zenkyoto, el movimiento estudiantil japonés de ideología izquierdista. Una obra de sorprendente estilo visual que refleja el desencanto ideológico de toda una generación.

Shiiku / The Catch 1961
Adaptación de una novela de Kenzaburo Oé ambientada en la II Guerra Mundial: un piloto afroamericano es capturado por los habitantes de una pequeña aldea. Un escenario que le sirve a Oshima para trazar otra implacable radiografía de la sociedad japonesa.

Amakusa shiro tokisada / Shiro Amakusa, the Christian Rebel (también conocida como The revolutionary) 1962
Incursión de Oshima en el cine histórico a través de la historia del rebelde cristiano Shiro Amakusa, que lideró una revolución campesina contra el shogunado en el siglo XVII. El pasado le sirve al director para construir una metáfora sobre el presente y las represiones políticas de los años 60.

Etsuraku (Los placeres de la carne, 1964)
Un film de atmósfera noir, axfisiante y melancólica, donde un hombre que ha asesinado a otro es chantajeado por un testigo del crimen. Un viaje por los laberintos de la prostitución y la pornografía con la Yakuza como anfitriona.

Hakuchû no tôrima / Violence at Noon 1966
Un nuevo estudio por parte de Oshima de la sexualidad y violencia que marcan la sociedad japonesa: el retrato de un violador y asesino de mujeres se construye gracias a los recuerdos de su esposa y una de sus víctimas. Una de las obras más crispadas y demoledoras del director.

Nihon shunka-kô / Sing a Song of Sex (también conocida como A Treatise on Japanese Bawdy Songs) 1967
Oshima sigue la odisea de cuatro estudiantes de instituto obsesionados por el sexo y las canciones obscenas. Una fantasía tragicómica, delirante y grotesca sobre sus temas recurrentes: el deseo reprimido y las complejas relaciones entre sexos.

Muri Shinju: Nihon no natsu / Japanese Summer: Double Suicide  (también conocida como Night of the Killer) 1967
La tradición japonesa del shinju (o el doble suicidio de dos amantes) es retomada por Oshima en una de sus obras más enigmáticas. Las vanguardias artísticas de la época se dan la mano en un film fatalista, trágico y de refinada estética.

Ninja bugei-Chô / Tales of the Ninja (también conocida como Band of Ninja) 1967
Una soprendente aportación de Oshima al cine de animación que lleva a la pantalla un popular manga de Sampei Shirato. Una obra experimental que supone una manera totalmente diferente de entender el cine de animación.

Kaette kita yopparai / Three Resurrected Drunkards (también conocida como Sinner in paradise) 1968
Una valiente denuncia contra la xenofobia congénita a la sociedad japonesa: tres estudiantes van a pasar sus vacaciones a una aldea de la costa y son confundidos con coreanos, una minoría étnica que todos desprecian en el lugar.

Shinjuku dorobo nikki / Diary of a Shinjuku Thief 1968
Las peripecias de un ladrón de libros en el barrio tokiota de Shinjuku son la base de un film-collage que toma como inspiración el teatro de vanguardia y analiza la secreta conexión entre sexualidad y activismo político.

Kôshikei / Death by Hanging 1968
Una sátira negra que sigue las kafkianas desventuras de un coreano condenado a muerte que, sin embargo, sobrevive a su ahorcamiento. Basado en un suceso real, el film demuestra hasta qué punto Oshima supo aprovechar las enseñanzas del moderno cine europeo.

Shonen (El muchacho, 1969)
Un sórdido suceso real es, una vez más, la inspiración de Oshima para uno de sus más directos y contundentes discursos sobre la corrupción social: un niño es utilizado por sus padres como falsa víctima de accidentes de tráfico, de manera que ellos puedan cobrar las indemnizaciones.


Tokyo senso sengo hiwa /  The Man Who Left His Will On Film (también conocida como He Died After the War) 1970
Una producción independiente que Oshima rodó en un mes con actores no profesionales, con todo el espíritu del cine underground y una estética cercana al documental. Un valioso testimonio de la contracultura japonesa de la época.

Gishiki / The Ceremony 1971
Las más venerables tradiciones japonesas quedan puestas en evidencia en esta aguda sátira que tiene como punto de partida una ceremonia de boda que saca a la luz las tensiones que subyacen bajo las fachadas sociales.

Natsu no imôto (Hermana de verano, 1972)
Ambientado en la isla de Okinawa, un agridulce relato acerca de cómo una joven generación ha de vivir con el trasfondo de un pasado traumático: la II Guerra Mundial y la ocupación japonesa.

Ai no koriida (El imperio de los sentidos, 1976)
La película que hizo famoso a Oshima en todo el mundo y marcó una nueva era en el tratamiento de la sexualidad en el cine. La historia real de Sada Abe, la mujer que asesinó y castró a su amante, se convierte en manos de Oshima en toda una declaración de principios sobre el poder subversivo del sexo.

Ai no borei (El imperio de la pasión, 1978)
Oshima recoge la tradición del kaidan-eiga (relato de fantasmas), tan habitual en el cine japonés, para construir esta bella película acerca de una apasionada y trágica relación amorosa que desafía los tabúes sociales.

Merry Christmas, Mr. Lawrence (Feliz Navidad, Mr. Lawrence, 1982)
Una co-producción internacional en la que Oshima contó con estrellas de la talla de David Bowie, Ryuichi Sakamoto y Takeshi Kitano. Lo que a primera vista parece un tradicional film de ambientación bélica acaba siendo una nueva indagación del director en los abismos del deseo.

Max mon amour (Max mi amor, 1986)
Oshima da un paso más allá en su constante puesta a prueba de los límites y tabúes que condicionan las relaciones sexuales. Charlotte Rampling encarna a una mujer burguesa y casada que inicia una relación con un amante inesperado: un chimpancé.

Gohatto (Gohatto: Tabú, 2000)
En su última película Oshima propone una síntesis de los temas que lo han obsesionado a lo largo de toda su filmografía. El cine de samuráis es contemplado desde una óptica muy diferente a la habitual: las relaciones homosexuales en su cerrado mundo.

domingo, 25 de noviembre de 2012

CESARE DEVE MORIRE, la película de semana


5 Premios David di Donatello, incluyendo mejor película y director. 8 Nominaciones
Festival de Berlín: Oso de Oro mejor película
Premios del Cine Europeo: 4 nominaciones, incluyendo mejor película y director


El teatro de la cárcel Rebibbia de Roma. Acaba de terminar la representación de Julio César, de Shakespeare; el público aplaude entusiasmado. Las luces se apagan y los actores vuelven a su condición de presos camino de las celdas. Seis meses antes el director de la cárcel y un director de teatro se dirigen a los presos para hablarles de un nuevo proyecto, la escenificación de Julio César en la cárcel. El primer paso es el reparto. El segundo, el estudio del texto. El idioma universal de Shakespeare ayuda a los presos a identificarse con los personajes. Es un camino largo, difícil, plagado de ansiedad y de esperanza. Estos suelen ser los sentimientos que invaden a los presos en sus celdas después de los ensayos. ¿Quién es Giovanni, el hombre que encarna a César? ¿Y quién es Salvatore, convertido en Bruto? ¿Qué han hecho para estar condenados a prisión?

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"Un montaje tan original como posibilista del 'Julio Cesar' de Shakespeare. (...) representando con veracidad y fuerza expresiva esa tragedia sobre los dilemas morales" (Carlos Boyero: Diario El País) 
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"'César debe morir' (...) es, antes que cualquier otra cosa, un brillante trabajo de resurrección. Resucitan ellos, los propios Taviani (...) y, lo más importante, resucita Shakespeare. ¿Acaso había muerto?" (Luis Martínez: Diario El Mundo) 
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"Insólita, fresca y seguramente imperfecta, pero libre de ataduras académicas (...) los octogenarios Taviani han recuperado buena parte de la garra de sus obras del terruño (...) Han resucitado la venganza shakespeariana para convertirla en vendetta napolitana" (Javier Ocaña: Diario El País) 
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"El cine de los Taviani, que parecía muerto resucita con las uñas sucias y la dignidad bien alta" (Sergi Sánchez: Diario La Razón) 
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"Impresionante. (...) inmensa película (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Nuria Vidal: Fotogramas) 
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Paolo y Vittorio Taviani
Nacidos en San Miniato (Pisa), los hermanos Taviani siempre han coescrito y codirigido sus películas. Empezaron a trabajar en los años sesenta, y han dirigido obras de ficción y documentales. Fueron galardonados con la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1977 por la película Padre padrone (Padre patrón), y con el Gran Premio del Jurado en 1982 porLa notte di San Lorenzo (La noche de San Lorenzo). En 1986, el Festival de Venecia les honró con el León de Oro a toda una carrera. Su última película, Cesare deve morire (César debe morir), obtuvo el Oso de Oro en la pasada edición del Festival de Berlín y cinco premios David di Donatello.

Reparto:
Cassius- Cosimo Rega 
Brutus- Salvatore Striano 
Caesar- Giovanni Arcuri
Decius- Juan Dario Bonetti 
Lucius- Vincenzo Gallo
Marcus Antonius- Antonio Frasca 
Metellus- Rosario Majorana 
Trebonius- Francesco De Masi; Cinna- Gennaro Solito
Casca- Vittorio Parrella 
Stratone- Fabio Rizzuto; Octavius- Maurilio Giaffreda 
Legionar- Pasquale Crapetti 
Wharsager- Francesco Carusone
Theatre Director- Fabio Cavalli


Nos deja Tony Leblanc, figura indispensable en la historia del cine español






Fue bailarín y chico de revista,  futbolista y boxeador con el sobrenombre de El tigre de Chamberí, autor de pasodobles, actor teatro y, sobre todo,  fue uno de los grandes cómicos del cine y la televisión de los años 60 y 70. Nacido en Madrid el 7 de mayo de 1922, Ignacio Fernández Sánchez, Tony Leblanc, desde muy pequeño le apasionaba la danza, si bien empezó trabajando como botones y ascensorista en el Museo del Prado, en donde el trabajaba su padre como conserje. Durante Guerra Civil hacia bulto en los espectáculos de Pastora Imperio,  trabajó de extra en alguna  película y a principios de los cuarenta hizo de chico de revista con Celia Gámez, consolidando su carrera como actor de teatro con Paloma, palomita, palomera. Te espero en Eslava o Ven y ven al Eslava.  Estos triunfos le animan a escribir sus propias revistas, como ¡Todos contra Todos! que interpreta en 1962 con Juanito Navarro, Antonio Casal y Addy Ventura y su continuación Todos con ella (1963). 


Debutó profesionalmente en 1944, con la compañía de Nati Mistral. Un año después, entró en el cine con Eugenia de Montijo y Los últimos de Filipinas y, a lo largo de los años cincuenta y sesenta, participó en títulos clave del cine español, mas de 150 películas, como El tigre de ChamberíMuchachas de azul, Los tramposos, Las chicas de la Cruz Roja, Tres de la Cruz RojaHistorias de la televisión, El hombre que se quiso matar  o El astronauta.  Dirigió tres películas, entre 1961 y 1962: El pobre García, Los pedigüeños y Una isla con 
tomate. En los años setenta empieza el declive de  su carrera y se retira del cine, provisionalmente, en 1975 con Tres suecas para tres Rodríguez, para centrar su carrera en teatro y televisión. En 1994 recibió el Goya de Honor a toda su carrera y Santiago Segura le ofreció  "un papel en una comedia en la que usted haría un personaje en silla de ruedas". Ese personaje secundario fue el del padre de Torrente, el brazo tonto de la ley, con la que ganó el Goya al mejor actor de reparto. Después también actuaría en Torrente 2, Misión en Marbella, Torrente 3: el protector yTorrente 4: lethal crisis. Desde 2001 a 2010 encarnó al quiosquero en la serie de televisión Cuéntame.

Es autor de un pasodoble de éxito: Cántame un pasodoble español, creado para la revista Un Pasodoble Español (1970), de la artista Lolita Sevilla; su éxito le obligo a continuar colaborando en otros pasodobles: Las piedras del caminoTe digo sinceramente o Un abanico español.  

Su rostro siempre quedará unido con el de otros grandes como Manolo
Gómez Bur, José Luis Ozores y Concha Velasco, una generación irrepetible de cómicos españoles.

sábado, 24 de noviembre de 2012

Fallece José Luis Borau

Ayer murió José Luis Borau,  cineasta y escritor. Premio Nacional de Cinematografía, académico de Bellas Artes y de la Lengua, expresidente de la Academia Española de Cine y de la SGAE

Académico de Bellas Artes desde 2002 y Premio Nacional de Cinematografía, Borau logró su primer gran éxito con 'Furtivos', con la que obtuvo en 1975 la Concha de Oro del Festival de Cine de San Sebastián y el premio a la mejor película en lengua española.


Presidente de la Academia de Cine de España de 1994 a 1998 y miembro de la Real Academia de la Lengua, José Luis Borau fue elegido (silla B) académico el 27 de marzo de 2008 y tomó posesión el 16 de noviembre de 2008 con el discurso titulado 'El cine en nuestro lenguaje'. 

Director, guionista, productor, crítico, profesor cinematográfico y escritor, ha sido reconocido con numerosas distinciones: Concha de Oro del Festival de Cine de San Sebastián por Furtivos (1975); Oso de Plata de Berlín por Camada negra (1977); Premio Luis Buñuel por Furtivos (1980);  Medalla de Oro de las Bellas Artes (1988); Medalla de Oro del Festival de Nueva York (1994); Premio Goya al mejor director por Leo (2000); Medalla de Oro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España (2000); Premio Nacional de Cinematografía (2002); Premio Tigre Juan de narrativa (2003); Mención Especial Espiello (2009); Premio de las Letras Aragonesas y Premio de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo a la Cinematografía (2010).


Filmografía:
En el rio (1960)
Brandy (1963)
Crimen de doble filo (1965)
Hay que matar a B (1974)
Furtivos (1975)
La sabina (1979)
Rio abajo (1984)
Tata mía (1986)
Niño nadie (1996)
Leo (2000)


viernes, 23 de noviembre de 2012

Gran Gala Internacional en el Hocus Pocus Festival Internacional Mágico de Granhada


Desde Korea la delicadeza de Kim Hyun Joong, desde Alemania Julius Frack y sus grandes ilusiones, la perfecta magia en negro nos llega desde Francia con Les Chapeaux Blancs y desde España espectaculares, Naife y Rubiales.
Mañana sábado 24 de noviembre  llega la magia con mayúsculas al Teatro Isabel La Católica. La Gala Internacional del Festival Internacional de Magia Hocus Pocus 2012 este año "pinta" un programa de auténtico lujo y nos trae artistas llegados desde lugares tan lejanos como Korea, tan cercanos como Francia y Alemania y por supuesto de nuestro país.
Kim Hyun Joong pone la nota más exótica al festival. El coreano forma parte de una nueva generación de ilusionistas de su país y destaca en el arte de la manipulación, pues su habilidad con las manos y las cartas es sorprendente, hasta el punto de parecer que le brotan de las manos. En 2008 fue Segundo premio en el Hong Kong International Magic Festival y repitió posición ese mismo año en el FISM (Federación Internacional de Sociedades Mágicas) Asia Championship. En 2009 participa en el show de France TV Le Plus Grand Cabaret Du Monde y al año siguiente consigue la primera plaza en la Blackpool Magic Convention Stage Magic Championships de Inglaterra y es elegido premio del público en la convención de la FISM norteamericana. En el último campeonato del FISM fue tercero en la modalidad de manipulación, especialidad copada en este campeonato por la magia coreana.
Julius Frack es Campeón del Mundo,  es un ilusionista que desde hace más de 15 años trabaja con gran éxito en diversos escenarios internacionales. Sus espectáculos han emocionado a personas de más de treinta países y con ellos ha conseguido numerosos premios internacionales. Entre otros, fue galardonado como Campeón de la Gran Ilusión y seleccionado entre los mejores números de la gala de 25 años de “Monte Carlo Magic Stars”. Ha actuado en ciudades como Las Vegas, París, Berlín, Londres, Hong Kong y Beijing. Julius Frack nació en Stuttgart (Alemania) y se cría en Las Palmas de Gran Canaria. Con 21 años se corona como Campeón Alemán de Magia en el Círculo Mágico de Alemania , como uno de los más jóvenes de la historia. Julius Frack es un ilusionista moderno cuya marca es la simpatía y la creación de ilusiones originales de clase mundial. Con su carismática actuación y la participación de la audiencia, Frack ofrece una calidad única de entretenimiento – utilizando para ello el Inglés, el alemán, el español o el francés. En la actualidad con su nueva ilusión MAGIC GOLD presenta el desafío de un maestro de su oficio.
Les Chapeaux Blancs cuenta las maravillosas aventuras de dos personajes en blanco en un ambiente totalmente negro. Una dualidad de ilusiones, un verdadero momento de magia hecho en blanco sobre negro presentado por Claude Brun y Jérôme Helfenstein.Durante diez años, Jérôme Helfenstein refinó y perfeccionó innovadores números visuales que se han convertido en referencias mundiales. Es uno de esos raros
artistas que promueven la magia del arte a la modernidad. Formó la compañía Enfants Terribles con Claude Brun, y juntos, con Les Chapeaux blancs (los sombreros blancos), crean un nuevo número de teatro negro que renueva el género con brillantez. A partir de 1885 el teatro negro deslumbró al público con artistas como Max Auzinger y Buatier de Kolta. Pero son las grandes creaciones de Georges Méliès las que utilizan este arte con mayor imaginación, como sucede en Un homme de tête (1898) et à la Dislocation mystérieuse (1901). Helfstein y Brun son los herederos actuales del gran Méliès.
Naife
Con diecisiete años entró a formar parte de la Asociación de Ilusionistas Onubense y un año después debuta en la gala organizada por la entidad, presentada en el Gran Teatro
de Huelva. A partir de entonces empieza a investigar y adentrarse más en el misterioso mundo del ilusionismo, asistiendo a congresos de Magia organizados por toda España,
gracias a lo cual adquiere un amplio conocimiento en las distintas ramas de la magia. Ha montado dos espectáculos unipersonales, como Sueños de oriente y fue primer premio CabraCadabra en el año 2011.

El nino de las pinturas es uno de los grandes del graffiti. En Granada nos deja sus bellas composiciones por todo el recorrido del barrio del Realejo. Sus graffitis recorren las calles, edificios, rincones... de diferentes ciudades firmados con El Niño de las Pinturas o Sex. Ha dejado su firma en ciudades como Portugal,Holanda, Italia, Venezuela, Hungría, Bélgica, Francia...  En sus obras la figura humana tanto la infancia como la adolescencia son las temáticas que ocupan un primer lugar, destacando las expresiones faciales de sus rostros, (descaro, miedo, asombro, tristeza). 
PROGRAMACIÓN SABADO 24 NOVIEMBRE
-17.00h Cafés Mágicos con Oscar Vallhonrat y 18/23Hugo Maximiliano, la magia en su expresión más joven. Rembrandt Club. Gratuito
-19.00h  y 22.00h Gala Internacional. Teatro Isabel La Católica. 18/23€